Recently I received the following questions from a young talented artist. Since I have received the same questions before, I will address the answers to him but I would like to share the answers with other people that may have a similar dilemma.

1) I love drawing comics and illustrations and I’ve done it as a hobby since high school. However, it’s generally believed, among my family and teachers, that it isn’t a way to make a living, at least here. (I know in Japan it’s different).

I think that today your geographical location is no longer a limitation for working and living as an artist.  Thanks to the internet, illustrators and comic artists are able to work anywhere in the world. Of course, to succeed in that you need to develop understanding of how to promote yourself and use the internet as a vehicle to sell your artwork.  There are several ways to do it: direct commissions, Patreon, Kickstarter, etc- these are some of the tools you have available.

In the time I have been here in Japan, I have met 4 foreign artists who came to Japan just for fun and curiosity to live in Japan for a while, but actually, they were working for foreign companies or taking commissions from around the globe. If you are able to develop a certain level of performance and recognition, your physical location won't be a restriction anymore.

Parents and teachers can just talk from the things that they have experienced. They want the best for you and it is very natural that they will try to minimize the risk and choose a more secure path. I am not saying the path of the artist is an easy one nowadays, It still requires more passion, effort and commitment than most of the works that are considered to be normal. You may have to be prepared to make many sacrifices, especially during the first years of your professional life.

Actual societies are based on the economical success, anyone who chooses any other path different from maximizing your income is considered to be a fool or nutcase. Take for example artists, sportsman, social volunteers, etc. If they are able to reach a good income, then society's perception suddenly changes and perceives them as a success and as an example to be followed.

If you base your decisions from the security point of view, it is highly probable that you will succeed in reaching certain level of economic confort, but I am not sure if you will find the same level of satisfaction and fulfillment.

2) The general agreement is that if I want to work in anything related to that area, it should be in animation, since it can be easier to find a job.

Animation is a big industry, there are many positions and roles requiring talented people. But, from my personal point of view it is already crowded, and when the offer is bigger than the demand, the quality requirements are very high and the payment tends to decrease (Japan’s anime industry is a good example).

I would suggest you to go to animation only if you feel a strong passion about it. I saw your animations on your website, they are not the standard industry animation but I think they are very original and could be much better if you master some animation techniques. If your keep conscious of your own style, you could develop your skills as an animator without losing your originality by learning from the industry.

Apart from animation, there are many other areas that require visual storytelling like video games, live action films and publicity storyboarding, books and illustrations, toys and products design, etc.

In general, I think there are 3 main options:

1. Freelancing, by creating original artwork and commissions. This is the most creatively rewarding option out of the 3. Depending on your skills and your fanbase you may have to have other kinds of income sources like part time work, or working for a studio and producing your own stuff in your free time.

2. Work for a studio. It provides financial security. In exchange, most of the time you won't be able to choose the work you want to do, but you will have to adapt to the studio requirements. It is the closest to have a normal job but still be able to draw and develop your art skills, even when sometimes the work content may not match your personal interests. I think it is really enjoyable when you feel passion about the work the studio is producing.

3. Have a non-art-related job and develop your art in your free time. Though the less risky path, you probably won't be able to reach your maximum potential as an artist, but you still can have a taste of it and the comfort and dilemmas of a “normal life”.

I think the best option depends of a person's situation and characteristics. There are some things we can change, like habits, skills, etc. but there are other aspects that we may not be able to change, like your age, economic responsibilities, etc.

3) So I’m in a bit of a doubt… I don’t know if I should further develop my studies in order to be able to work in animation, follow the comic book and illustration path, or maybe even find a different area and keep doing those projects as a hobby, I also like IT and technology related projects

If I were you, I wouldn't spend voluntarily a single hour doing something that doesn't mean anything to me, specially if you have no economic dependents.There are several reasons for that, but the most important one is that life is too short to be wasted. Ask yourself, supposing I will die in 1 year from now, which path would I choose?. If your sincere answer is IT, that means you really enjoy it and find it interesting, in that case it is perfect.

But if your answer is not IT and even in that case you think you should pursue the IT path, maybe your thinking is being guided by security or other social issues. Just remember, your life is not your parents’, teachers’ or friends’ life.

I am not suggesting that everyone who enjoys drawing should choose the art path. Of course, there are some considerations each of us should make. Do I have enough talent and commitment? Or is it just a temporary hobby?. In your particular case, I think your profile proves you have the talent, and that you have been doing this for a long time, it is not just a temporary hobby.

Considering your age and artworks, if I were you I would try to do the thing I enjoy the most. If you feel insecure about your talent or commitment, don't worry, just try it. Many times we ignore our real potential until we put ourselves in extreme conditions.

Anyway, if you don't have what is needed, life will hit you in the face and break you down. But at least you will be able to say that you tried with all your heart, that attitude makes a whole difference not only in your artwork but also in your way of living in general. You should only focus on how much and how fast you can develop and improve your skills.

Hope you found it interesting and I will be happy to receive your comments.

Best wishes to everyone

Gracias a Arantxa por las preguntas

1) A día de hoy, ¿se siguen asignando diferentes Productores y Directores para cada capítulo? Si es que si, ¿estos productores y directores de capítulo están a la vez supervisados por el productor y director general?

Si se siguen asignando productores y asistentes de dirección por capítulo (ensyutu 演出), pero siempre hay un director general y un productor general también. Que tanto supervisan el trabajo va depender del tipo de dirección y del tiempo del calendario de trabajo. También del esquema de trabajo, si todo es “in-house” es más fácil supervisar el progreso que cuando mandas un capítulo completo a que se produzca en otro estudio de animación (gaychyuu 外注)

2) ¿La planificación de la historia del anime, trama, evolución de los capítulos y diseños de personajes se suele hacer después de establecer la fecha de entrega o a la vez?

Generalmente hay una fase de preproducción donde se prepara todo el material esencial para toda la producción. Esta fase está calendarizada y tienen fechas de entrega pero la producción de los capítulos no comienza hasta que no se tiene el material básico completo (diseños de BG y personajes, guiones, story board de los primeros capítulos, etc).

Como siempre hay ocasiones donde la presión del tiempo obliga a la producción a hacer cosas más extremas, como comenzar con la animación al mismo tiempo que el story board está todavía en progreso, y los diseños no están terminados, etc.

En películas, dado que el storyboard es muy largo, se divide en partes  A, B, C, etc. Por su longitud, es muy común que la animación comience antes de que todas las partes del  storyboard estén terminadas.

3) ¿Si un anime se hace a partir de una idea general, la descripción de los personajes viene dada por el autor original o también influyen el director y productor?

Si el anime se basa en una idea original, es decir, donde no hay una obra previa como un manga o novela, depende mucho de la forma en que se maneje internamente la producción y del nivel de injerencia de la persona que propuso la ideas, pero generalmente muchas opiniones intervienen. Si la persona que propuso la idea no es el director de la animación los personajes muy probablemente cambiarán mucho.

Si la animación está basada en una obra previamente publicada, que tanto se puede alejar la animación de la obra original va depender de la negociación entre la casa productora y el autor de la obra.

4) ¿Los guiones son escritos por uno o varios guionistas?

- Si son escritos por varios: ¿se reparten los guiones por capítulos? ¿estos guiones son supervisados por un 'Jefe de Guionistas' (no sé si sería el nombre correcto para este cargo) o son revisados por el productor y director? ¿El autor original también los revisaría?

- Después de leer 'film anime vs tv anime', a la hora de hacer el guión para un film de anime ¿cambia de la forma en que se hace en los guiones para tv anime? ¿lo escribe uno o varios guionistas?

Como animador muy rara vez tienes contacto con los guionistas. Solo te puedo comentar de las experiencias que he tenido, he trabajado en producciones donde hay mas de un guionista, generalmente los guiones los revisa el director y la casa productora. Nuevamente dependiendo del tipo de negociación a la que haya llegado el autor de la obra con la casa productora, este puede tener derecho a revisar los guiones (lo cual es poco común, los mangakas son gente muy ocupada, solo recuerdo un caso donde el autor del manga revisaba a detalle cada uno de los aspectos de la producción incluyendo el guión).

5) Leí en tu journal que un animador trabaja alrededor de 14 horas (y en puestos como keyframer e inbetweener suelen trabajar más), ¿en estos años ha cambiado la situación? ¿se sigue trabajando sin contrato y se paga por número de unidades terminadas?

Las condiciones de trabajo depende mucho del estudio, mi journal anterior se enfoca principalmente en animadores freelancer. Animadores que trabajan para un estudio se tienen que ajustar a las normas del estudio. Algunos estudios tienen la práctica de trabajar muchas horas extras y fines de semana.

Otros estudios tienen políticas de cuantas son el número máximo de horas extras que puedes trabajar. Esto significa que si no puedes sacar el trabajo en el número máximo de horas, no te van a permitir ocupar más horas de tu tiempo para completarlo. Esta política es un filtro para tener un staff altamente eficiente.

Con respecto a la forma de pago, como freelancing el pago generalmente es por unidades en caso de ser keuframer, o por capitulo si estas haciendo jefe de animación (sakkan 作監)　o asistente de direccion (ensyutu 演出). Si trabajas para un estudio la forma de pago varía de estudio en estudio, hay estudios que pagan por unidad, otros ofrecen sueldos fijos mensuales. También existe la modalidad mixta, un sueldo base por pertenecer al estudio más un sueldo que varía dependiendo de la cantidad de trabajo que realizaste en el mes.

6) ¿Cómo se ha introducido la digitalización en los estudios de animación? Con la aparición de nuevas técnicas digitales, ¿cómo han afectado estas a los estudios de animación? ¿Se sigue prefiriendo animar tradicional o digitalmente?

En Japón se le conoce como “Digital Sakuga”, es decir, dibujar animación en 2d empleando la cintiq y algún software de animación. Todavía es una minoría el número de estudios que trabajan en digital. Estimo que menos de un 10% de la animación japonesa se hace en digital. Toei animation y OLM son estudios grandes que están impulsando la digital sakuga.  

Sin embargo, es difícil para la gran mayoría de estudios hacer el cambio a digital por el costo de la inversión inicial en hardware y software, y otros factores culturales. Para un animador freelance que va iniciando resulta aún más difícil, por los bajos salarios, la curva de aprendizaje. Además que hacerlo en en digital no le representa una ventaja en su ingreso.

A pesar de las desventajas, el porcentaje de estudios que están introduciendo digital va en aumento, y actualmente es una ventaja competitiva para un animador poder animar en digital.

Yo trabaje 7 años en papel y hace 1.5 años cambie a digital. Ofrece grandes ventajas que me gustaría comentar a detalle en un journal o podcast.

7) ¿Con qué programas de ordenador se trabaja normalmente en los estudios de animación?

En caso de Digital sakuga no hay un software ganador todavía. Los estudios están utilizando Retas Stylus, Clip Studio, TV Paint y Toon Boom. Yo utilizo TV Paint por que lo encuentro muy similar a trabajar en papel.

8) ¿Qué consideras que es la mayor diferencia entre el anime y otros tipos de animación (ya sea series de Disney, Dreamworks, etc...)

Este es otro tema que me gustaría tratar a detalle pero en resumen pienso que las características de la animación Japonesa nacen de  2 fuentes principales:

1. La apreciacion estetica que tiene la cultura japonesa. (gusto por el alto contraste entre reposo y movimiento, la influencia de los tokusatsu y live action, su tradición narrativa e histórica tiene mucha influencia en sus personajes, etc.)

1. Factor económico. La animación para tele, que es la que define muchas de las características que hoy asociamos con el anime japonés hoy en día, surge en los 60’s, poco después de que finalizara la WW2 (la animación para cine es mucho más vieja). La economia de Japon todavia estaba en muy malas condiciones. Por esta razón se idearon muchas técnicas para poder economizar la animación y poder hacer animación para TV y cine con presupuestos mucho más económicos que los de disney o Warner Brothers.